mouvement – Cygne Distinctif

La rage de vivre

Le jour je me cache sous les grilles des maisons, parfois pour y observer les enfants jouer. Leur énergie me stimule et attire toute mon attention. Nos mœurs sont à peine différentes.

Parfois j’entrevois même des humains restant stoïques derrière une épaisse couche transparente. Je les fixe, ils ne bougent pas. Leur présence dégage une odeur dénuée d’émotions. Ils ont l’air si bien éduqués. Je me demande bien comment ils font pour rester debout et nous fixer sans jamais changer leur angle de vision.

La nuit il ne s’agit plus de lier des amitiés, de sentir à museau détendu. D’un pas ralenti et hésitant je divague à travers les rues, … Je rencontre des silhouettes flottantes, de nouveaux personnages. Tout me semble plus impressionnant. La lueur est tellement sombre que je crois apercevoir des ombres diurnes.

Tenez par exemple ces deux personnages : l’un trop allongé du haut et l’autre portant une tête disproportionnée. Quel effroi de les voir traverser le trottoir !

Les mots sortent difficilement de ma bouche : je panique, je hurle en espérant les dissuader de changer de voie. Mais ils ne s’esquivent pas. Je les aperçois, puis la face géante s’approche de moi… Mon cœur bat plus vite, je tente de garder ma présence d’esprit car je me sens incapable d’effectuer un mouvement. A mon soulagement ils passent devant moi et poursuivent leur marche.

Ma vision me paraît trouble, ce monde me paraît alors si incertain. Doucement je m’avance, décidant de braver ces visions. Un cycliste passe. Il a des déformations un peu partout le long de son dos. Je me demande bien pourquoi tout est si disproportionné et prend tant de place.

Toutes ces interrogations me donnent envie de continuer ma route.

Un puis deux demi tours me permettent de rencontrer un autre personnage: grand, trapu, portant des couleurs qui m’angoissent. Puis tous ces gestes qui s’enchaînent jusqu’à entendre ce bruit des roues qui heurtent le sol.

J’ignore pourquoi ce monde me paraît si immense.

Copyright Photo © Benjamin Gillet – Eclipse Solaire

Pas de quatre – Ali Moini

Au commencement un son lourd et assourdissant prenant le pas sur les éléments, celui d’un homme sans prétention et d’une silhouette harnachée. L’homme s’exécute le premier, le second opère, ou serait-ce l’humain qui remplacera l’homme machine ?

Ce sosie métallique en suspension déroule son vocabulaire. Il oscille plus gracieusement que l’homme. Son ossature fine et légère s’esquisse. Un système de poulies ou contrepoids désigne le ballet silencieux. Ce spectacle initialement mis en scène pour représenter le vivant lors du festival Montpellier Danse fait habilement l’utilisation de la chair animale en suspens.

Emmailloté et même emprisonné Ali prend de l’avance. La gravitation n’est qu’occasionnelle.

A contrepoids ils se meuvent. D’un homme-objet ils ne reste plus que des formes tentaculaires puis elles font place à des mandibules.

Dans cette enjambée Ali Moini, artiste chorégraphe d’origine iranienne se pose toute la question de la présence et de l’impermanence. Qui survit à qui ? C’est par Rostam que j’hérite de ma gloire, cette traduction approximative pose simultanément à l’artiste la question de l’imposture et de la transmission.

Les figures se font face, s’évitent puis se balancent. L’oscillation sonore suit.

Le jeu en est l’issue. A la dérive ou presque l’artiste devenu scénographe fait graviter le public vers l’illusion d’optique. Notre cerveau est biaisé. Le temps de la dé-pressurisation est amorcé. Le mouvement est induit ou déconstruit et marque l’arrêt.

Flottant dans l’air ils désamplifient le rythme du vol. L’homme restant l’allié de la machine, le filage est rendu possible par son intervention.

Tantôt homme-robot et tantôt homme-mécano, les fils s’amorcent et se joignent pendant le cycle de transgression. La manipulation ou « main qui pousse l’autre » est amorcée. Chiffonné par son poids il devient homme-objet. Ce rite manichéen fait vagabonder le pendant/pendu. Le hasard des fils devient la toile pour un personnage. Le tempo monte. La scène s’agite mais c’est le spectateur qui semble en élévation. Les sens jouent à nouveau un contre tempo à nos oreilles. On se sent manipulé.

L’étiolement du pantin s’affiche par morcèlements. L’humain est questionné et l’acteur a tiré notre révérence.

Man anam ke rostam bovad pahlavan est actuellement en tournée européenne.

Festival mondial des théâtres de marionnettes, Charleville-Mézières, 22 septembre 2017

Péril à trois – Stéphane Fratti

Murmure déroutant, force nous éloignant et nous rapprochant…

Super-héros, trio – affront du quotidien

Comment la danse est rentrée dans votre vie et comment vous est venue l’idée du spectacle “Mur mur” ?

Rémi Leblanc-Messanger, danseur J’ai commencé la danse à la fac de Rennes. J’étais étudiant en histoire de l’art.

Vous êtes tombé là dedans par hasard ?

Je ne sais pas comment je suis rentré dans la danse, mais j’y suis rentré !

C’est la que j’ai rencontré une étudiante qui avait terminé son cursus en danse à Montpellier et qui m’a conseillé de passer une audition dans une école du Sud de la France. C’est ainsi que j’ai débuté la danse. Après avoir finalisé mon cursus en danse je me suis installé à Paris, ce qui a suivi c’est le cursus standard : les auditions, les cours, les rencontres…

Comment le trio s’est formé ?

Ça n’a pas débuté par un trio.

Stéphane Fratti, chorégraphe et danseur Il y a eu plusieurs étapes de travail avec différentes personnes – comme l’a souligné Rémi. Lors d’un cours de danse j’ai proposé à Rémi de faire un essai. On as donc poursuivi en trio il y a deux ans de cela environ.

Quel a été votre parcours Alban ?

Alban Gérôme, danseur Par la porte ! Je suis comédien avant tout. Dans mon parcours j’ai beaucoup travaillé sur l’aspect corporel. En tant que comédien je suis même passé par un complexe avec le texte et, dès le départ, je sentais que vraiment ma première approche de la scène était corporelle, même si le théâtre m’attirait. Tout en débutant ma carrière de comédien j’ai collaboré avec des compagnies de danse, lors d’esquisses très courtes. Ou alors j’ai été casté pour faire la jonction avec des scènes dansées. Je faisais le Monsieur Loyal : je décrivais le texte, j’étais dans ce monde là. Stéphane et moi nous sommes rencontrés sur une résidence d’artistes. J’étais sur un projet théâtre et lui danse. Stéphane a présenté un solo. Il m’a proposé de venir travailler lors de ses ateliers Magma, une danse ou il n’avait pas seulement envie d’inviter des danseurs

Magma

Il a ensuite souhaité créer d’autres agrégats de recherche autour d’autres matières avec des personnes qui avaient collaboré à Magma. Il y a eu plusieurs étapes de maturation comme le disait si joliment Rémi. Et puis on a été très nombreux, très peu, très nombreux… Et puis, petit à petit ça s’est affiné et on a trouvé une dynamique à présenter au public à trois.

Vous présentez Magma « contre le processus de dé-liaison qui marque la société contemporaine”, est-ce que vous poursuivez le projet dans cette optique ?

Stéphane C’est un projet sur lequel je vais travailler toute ma vie, c’est inépuisable. A chaque fois il faut repartir à zéro, car repartir à zéro c’est aussi faire un pas en avant. C’est ce qui me fait progresser dans ce projet : repartir à zéro. Ça demande une écoute des gens. Il y a des personnalités toujours différentes qui amènent quelque chose de différent, c’est simple et complexe. Un contact à deux c’est facile, un contact à plusieurs ça devient plus complexe. C’est une fiction dans ma tête, l’idée est née en se disant : plus on avance, plus on se rapproche du progrès et plus ça nous éloigne humainement du toucher. Pour des personnes qui n’ont jamais effectué de danse-contact, se tenir devient une thérapie. Et je l’ai remarqué par la suite car au début c’était une simple idée chorégraphique. J’ai laissé tomber l’idée chorégraphique tant j’ai trouvé le processus important pour moi et pour les autres. La chorégraphie subsiste car Alban fait partie des gens à qui j’ai demandé de le présenter et proposer des actions aux gens.

Alban C’est drôle car la forme de Mur mur, ses strates sont nées via Magma. Et le jour où l’on a laissé de côté cette forme, cette matrice est née : Mur mur. Les autres matières ont été nourries de cette matrice là. C’était clair, évident.

Stéphane Les Hommes Cabossés c’était ça. Au moment ou l’on était tous dans Magma, ils partaient tous et il ne restait qu’une seule personne complètement à l’envers et la personne essayait d’en sortir.

Sont-ils les débuts de la formation et du spectacle ?

Stéphane Les débuts furent un duo lorsque j’étais en résidence à Brest. La compagnie est née en 1998 à Arenes. Brest était le lieu du début de ce spectacle. A l’époque il ne s’appelait pas Mur mur, c’était juste des matières. En résidence j’ai travaillé avec une danseuse, ce travail de recherche m’a donné envie de faire un travail à plusieurs – homme ou femme. C’est pour ça que j’ai invité les copains: je connaissais des danseurs, comédiens pour mettre bout à bout ces matières là : elles étaient étranges pour moi, elles me perdaient bien mais m’intéressaient beaucoup. Ils ont été assez fous pour me suivre, je ne savais pas ou j’allais. Ça demandait donc un sacré investissement physique.

Au départ il y avait des danseuses mais ça ne collait pas. Dès qu’il y avait une violence on entrait dans une autre interprétation, ce n’était pas la direction recherchée.

C’est donc devenu un projet masculin ?

Stéphane Oui. Lorsqu’on as dansé à trois danseurs c’est devenu masculin

Rémi C’est un projet sans trop d’identité sexuelle

Stéphane Oui mais en même temps je vise la folie des hommes

Dans le spectacle on as l’impression que sous l’emprise de son propre territoire l’homme passe par des états ou stades différents. Par exemple : personnages ou archétypes tels que Bioman, on peut parler des “morts vivants distingués” car ils ont un certain style… Etiez-vous dans cet état d’esprit ?

Alban Chaque spectateur voit quelque chose de différent mais ça nous as traversé consciemment ou pas. Je ne suis pas sûr qu’on as pensé à ces personnages mais il et vrai que nous sommes nourris de cette culture qui est aussi de notre génération – chacun de nous a le même age (Rires). C’est vrai que les mots employés font référence à des univers différents. La proposition reste ouverte.

Stéphane Il y a un dénominateur commun : l’enfance. C’est comme une cour d’enfants peuplée de super héros, ça me parle

Alban Dans le début du spectacle il y a plein d’interprétations différentes du côté vibration des prières : soit mystique, soit très contestataire pour certains ou soit juste énergétique pour d’autres

Rémi La référence à Bioman m’a fait penser à un moment du spectacle ou je n’aurai pas pensé à placer ce moment là “Mais oui…! « C’est le moment ou avant les claques on exécute toute une série de postures martiales qui surgissent ainsi…

Stéphane On voulait vraiment s’amuser car le fond n’était pas drôle. J’ai donc cherché quelque chose de léger, qui fasse voyager le public afin de permettre sa propre lecture.

Alban Une portée universelle, sans se prendre au sérieux, mais en y allant !

Rémi Ça parle à beaucoup de gens : même à ceux qui ne sont pas amateurs de danse ainsi qu’aux enfants

Stéphane Pourquoi les Super-Héros ont été créés ? Car les gens sont faibles ! Ce que j’ai souhaité faire basculer ce sont toutes les croyances ou l’on met quelqu’un sur un pied d’estale : que ce soit en amour ou en politique,

Dans l’un de vos spectacles : le solo « Lâche-moi » vous êtes accroché à une corde et l’utilisation de la force est constante…

Stéphane C’était aussi un super héros ?! Ce spectacle est également relié à Mur mur car j’y parle aussi des choses absurdes de ce monde. Dans ce solo je me pose la question “Qu’est ce que l’avancement ?” Avec toute la matière grise qu’on a, est-ce qu’on avance ?

L’actualité nous montre que les hommes sont fous… En plus nous sommes des hommes !

Comment vous est venue l’idée de la scène de “Strangers In the Night” ? Cette scène a un impact sur le spectateur, on as l’impression qu’elle s’éternise…

Stéphane Pour ce genre de matières je pense qu’il faut les faire durer pour qu’elles existent. C’est tellement simple, c’est tellement rien des Hommes Penchés et en même temps pour que ça existe…

Rémi On appelle ça les Hommes Penchés…

Alban Mais on c’est fait traiter de pingouins !

Vous imaginiez l’impact sur le public ?

Stéphane Au départ je ne pense pas au public, mais au propos, au sens. La scène d’avant est très énergique, à un moment donné au niveau rythme, son, vibrations, j’ai voulu un moment de calme et renversé comme le retour d’un iceberg

Alban Ça m’a fait penser à des positions de taï-chi. On s’est dit « Tiens avec cette position si l’on va jusqu’au bout est-ce qu’on va pouvoir continuer à avancer ? » Pour chaque matière il y a eu cette recherche. “Ah là c’est une contrainte, et qu’est ce qui se passe si l’on continue ?” Ça a crée ces mouvements, ces énergies

Stéphane J’aime bien travailler avec les contraintes qui imposent un état physique. Par rapport à cette contrainte, précisément, qui parle vraiment de la folie des hommes, aux hommes paumés c’est complètement absurde. Et après on s’est dit qu’on pouvait faire un ballet avec cette matière. J’aime utiliser les musiques en décalage : Frank Sinatra était un très beau chanteur et crooner mais un sacré salopard aussi.

Par rapport à votre style, à votre vocabulaire dansé le public pouvait constater que ça allait au delà de la danse, est-ce que vous estimez que vous avez développé un certain style ? Est-ce que ça résulte de vos rencontres artistiques passées ?

Stéphane Sincèrement je n’en sais rien. J’ai fait de la danse très académique, je donne des cours de danse et mon danseur préféré est Buster Keaton. Donc les pirouettes ne me parlent plus. Quand je vais voir des comédiens ou des musiciens leur gestuelle me parle, pour moi c’est de la danse car c’est physique. Lorsque j’ai vu Alban travailler sur Magma, ainsi que des spectacles qu’il a pu faire dans d’autres compagnies : au théâtre, je trouvais que physiquement il n’avait pas besoin de faire quoi que ce soit pour dégager quelque chose. C’est donc un interprète tel qu’un danseur. C’était pareil pour Rémi. Je me suis dit que j’avais besoin de rencontrer des identités. J’ai eu de la chance.

Ce qui est chouette c’était la première fois ou nous avions présenté cette forme là. En le visionnant nous rions beaucoup mais nous avions peur d’être les seuls à rire. Lorsqu’on l’a présenté devant un public, au Regard du Cygne les gens étaient explosés de rire. Ça nous faisait très plaisir d’entendre les gens rire : les personnes âgées, les enfants, des personnes extérieures au monde de la danse, des danseurs, des chorégraphes… S’il y a de telles réactions c’est que le travail est juste

Rémi Pour nous la compréhension ou la non-compréhension de notre travail est passé par la présence du spectateur. Au niveau rythmique il faut savoir ce que ça va donner par exemple et tant qu’on ne l’as pas confronté au regard du spectateur ça reste hypothétique. Mais comme le dit Stéphane il ne faut pas penser qu’au spectateur

Stéphane Je ne suis d’accord qu’en partie avec Rémi car ce qu’on présente est pensé, réfléchi, ficelé, et de là je suggère des choses et ce qui est suggéré manipule aussi le spectateur car je lui renvoie ces images. S’il me les renvoie c’est que j’ai visé juste. Il y a aussi l’idée de la libre interprétation de ce qu’on présente de manière large et ciblée. Voilà pourquoi je n’ai pas intégré de femme(s) au spectacle car ça n’allait que dans une direction. Et ça fermait les choses

Alban Je ne sais pas si tu peux dire que tu manipules… Tu suggères, tu amènes des pistes. D’ailleurs on pourrait dire aussi que si ça arrive très fort gardons notre ligne, gardons notre concentration, n’en rajoutons pas.

Vous aviez la tentation d’improviser…

Alban Ça peut être une tentation, alors que sur une même scène le public peut nous dire qu’il riait et d’autres publics pleuraient sur les Hommes Penchés. Donc le but c’est de garder le plus d’ouverture pour le plus d’interprétations possibles. Mais je rejoins Stéphane qui parlait de Buster Keaton, ça dépends toujours de la culture qui t’a nourrie. Des amis m’ont dit que notre spectacle leur faisait penser à Samuel Beckett, le côté noir, plus désespéré. Buster Keaton et Samuel Beckett ont fait un film ensemble. C’est le dernier film de Buster Keaton, donc la rencontre du burlesque, du tragique et de l’absurde. Ce travail est aussi teinté de ça : ça ne vient pas de nulle part, ce n’est pas une création même s’il y a des inventions qui nous sont propres mais ça vient aussi d’une tradition, d’une vision du monde qui est souvent ré-interrogée.

Rémi Par rapport à ce que je ressens de l’intérieur c’est que chaque situation donnée à voir est à multiple interprétation, mais ce n’est pas forcément la première idée – en tant que spectateur ou danseur – qu’on peut se faire de cette partie là et pas forcément l’idée qui restera à la fin. Pour les hommes penchés on entends beaucoup de rires, mais à l’intérieur des corps ce que je ressens c’est beaucoup de détresse. Il y a ce dialogue entre le spectateur – qui rigole énormément, alors qu’on sort d’une partie très physique ou le corps a mal et est enfermé : il reste droit. C’est presque un décalage entre ce qu’on ressent et ce qui se passe. Petit à petit la situation change, le public rigole moins.

Stéphane La pièce n’est pas drôle. Le fond n’est pas drôle donc j’ai cherché une forme légère pour toucher ce fond là.

Il y a une forme sombre lorsque vous mimez une femme c’est presque un combat entre vous deux

Rémi Il y a beaucoup de violence…

Stéphane Mais toujours d’une façon un peu détachée

Rémi Ce qui rend encore plus violent la chose

Alban Ça s’est construit comme ça. A la fois construit, rythmé comme une partition musicale et en même temps improvisé – afin que les deux se mélangent tout le temps.

Stéphane Il y a une écriture. Des points de rencontre. Et dans ces rencontres il y a des matières différentes, comme dans les hommes penchés. Et dans les trajets c’est improvisé. Cette improvisation nous donne donc la liberté de créer chaque soir des choses différentes. Ça nous met en péril aussi. Ça nous met à l’écoute car on ne peut pas se cacher vers quelque chose d’écrit.

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C’est un jeu d’enfants – Pépite II

What the Body Does Not Remember by Wim Vandekeybus

[Mise en scène : imperceptible. Pas de rature ou de griffonnage … Tel un charpentier qui épure, le rythme est donné : pas de notation non plus, si ce n’est à la main. Effort mesuré, tambien.

Entre-deux.

Têtes à terres. Réalignement. Portrait de famille, d’initiés. Esquives.

Brykken (f) – bricks : s(p)ort qui se joue toujours à plusieurs, alignés, en règle !

Escadron de fabriques-à-corps, le tout dans une tentative de redimensionnement. Détermination de l’espace, on joue à qui perds gagne.

Jeux d’accords. Dé(tour)nement. Forclusion. Accéleration. Mon alter est beau. FIN]

Spectacle crée en 1987, couronné par un Bessie Award à New York (relation musique et danse)

Copyright © Céline Burr

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Cet Oiseau de Feu – Sohrâb Chitan

Téméraire dans sa danse. Tantôt oiseau-Roi-soleil, tantôt simple mortel,

Sohrâb réagis et ré-ajuste

Exit la notion de temps, il nous dit vouloir : « Aller droit dans l’humanité »

Sohrâb Chitan en quelques dates :

Né en 1987 à Paris,
De 2005 à 2007, il se forme aux techniques de danse Rudra Béjart en Suisse, puis au sein de la compagnie américaine Alonzo King Lines
C’est en 2011 qu’il décide de fonder sa compagnie: TIMEless Ballet
En 2013, la rencontre de Nicolas Noël – chorégraphe et danseur renommé, ancien Coryphée de l’Opéra Garnier, lui permettra de remettre un pied dans la danse

Masque en plumes de pigeon créé par l’artiste taxidermiste Mathieu Miljavac

Vos trois voyages ont l’air « délimités. » On y voit le commencement, la façon dont la planète a été bâtie, l’homme part ensuite à la découverte du monde et ça finit en voyage intérieur…

Ce qui m’intéresse c’est de ne pas vous imposer quelque chose. Il me fallait un fil conducteur pour créer. Si vous avez vu l’inverse c’est très bien vous avez crée votre propre voyage. Ce qui m’intéresse c’est de prendre le public et de dire :

« Voilà, j’ai fait ça, c’est mon histoire. C’est celle de Jeanne aussi » (Jeanne Henry – Comédienne)

Elle dit ce que je ne peux pas dire car je ne parle pas. Dans le mouvement je dis ce qu’elle ne peut pas faire car elle n’est pas danseuse. Au public d’imaginer son propre voyage à travers des musiques. Le masque est clairement la naissance d’une bête qui se transforme en homme.

Vous mettez en scène une époque préhistorique ?

Pour moi ce n’est pas aussi scientifique. Et moi je l’interprète à travers un oiseau, un singe, une bête. Une bête avec des griffes qui a peur de son propre corps et, à travers l’Homme – avec un h majuscule. C’est cette part d’animalité qui nous entoure, et qui fait aussi ce qu’on est aujourd’hui par la barbarie. Nous l’avons en nous mais l’art peut nous sauver.

Je conçois votre danse avec une ouverture de l’âme, de l’homme… Une évolution plus spirituelle ?

Au niveau spiritualité j’ai un rapport très fort entre le ciel et la terre. Je caresse le sol, je ramène et je prends…

Ce rapport entre le divin et l’homme est important, car il me semble qu’à un moment donné on est toujours confronté à un appel à Dieu. On se pose la question à travers notre solitude. C’est évident, je, suis seul sur scène, elle, est seule sur scène. Vous vous fuyez et vous cherchez en même temps ?

Vous vous fuyez et vous vous cherchez en même temps ?

Oui. Jusqu’au moment où l’homme, où la femme, quels qu’ils soient : amants, amis, etc. se retrouvent. Il y a une rupture et un accord dans ces trois voyages.

La dernière partie interprétée sur du Chopin est-elle votre recherche de sublimation ?

Personnellement c’est une histoire d’amour que j’aime transposer là-dessus.

Chopin c’était mon truc, par rapport à mon vécu. La danse classique c’est ma nature et en même temps c’est ma base. Pour moi, c’est important de retrouver aujourd’hui ce côté romantique et classique. Je ne suis pas sûr qu’un danseur contemporain aurait eu la forme physique d’assumer ce que j’ai pu faire. C’est moi ce soir. Par concours de circonstances ça aurait pu être un autre danseur. Mais il aurait fallu qu’il soit classique pour qu’il comprenne le langage. Un danseur contemporain qui ne sait pas faire une première, et qui ne sait pas qu’un dégagé est important (il s’exécute) : il ne comprends pas.

Oui, il y a une sublimation dans le classique. Et en même temps il y a un espoir : par rapport à Sabra et Chatila, ce que l’homme est capable de faire de pire, de détruire. Comme les volcans ont voulu détruire mais, au delà de ça, au crime de l’humanité.

Chopin ça continue et c’est un cercle. A la limite le ballet pourrait redémarrer à zéro.

S’il y avait un message serait-ce une dystopie ?

C’est ma vision du monde. C’était un premier ballet donc je suis conscient que c’était un risque énorme de mélanger du texte et de la danse. Ce sont des essais, des journaux intimes, il y a ce côté très spontané. C’est cela qui m’a intéressé, d’aller droit dans l’humanité.

J’ai laissé la liberté à Jeanne de trouver ses textes.

Jeanne Henry, comédienne

Pouvez-vous me parler de votre façon de travailler l’aspect narratif ?

La dernière partie du ballet avait déjà été crée. Puis, Sohrâb m’a demandé un texte sur le voyage. J’ai alors repensé à ce texte qui est un peu un texte de chevet pour moi.

(Juste la fin du monde, du luxe et de l’impuissance, de Jean-Luc Lagarce)

Je lui ai envoyé un assemblage de deux recueils. Il a ôté une grande partie.

Juste la fin du monde est un texte qui raconte l’histoire d’un homme qui va mourir et qui reviens pour l’annoncer à sa famille, voilà l’une des scènes du début. On a fait ce lien ensemble sur les textes. On a changé des mots pour que ce soit féminisé, par exemple « amoureuse ».

Votre rôle m’a fait penser à l’époque antique…

Oui, Sohrâb ayant une formation de danseur classique que l’on retrouve dans sa base et, travaillant avec des mouvements contemporains, souhaitait retrouver dans le théâtre cette forme de théâtre classique.

Donc on as pensé à la blancheur de la robe, la coupe de cheveux est un clin d’oeil à Ophélie… On avait travaillé sur la partie des guerriers où l’on retrouve une gestuelle antique en référence au théâtre classique.

Et le voile également ?

Ca représente tellement de choses ! On est passé par tellement d’interprétations que je ne sais plus… Rires

Est-ce votre première collaboration avec un danseur ?

Oui, dans ce registre précis.

Vous avez dansé…

Oui, ça c’est fait comme ça, je n’ai pas l’impression d’avoir dansé. Sohrâb m’a poussée à danser. Le comédien se cache beaucoup derrière le texte et le personnage. Jusqu’au dernier moment Sohrâb me rappelait que j’avais des muscles dont je pouvais me servir.

Voyages I, II, III et Cold Ways

14 mars 2014, Théâtre Le Liburnia, Libourne

Propos recueillis le 18 septembre 2013 – Théâtre de Ménilmontant, Paris

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Pépite

Dark Side of the Moon, from and with Anna Anderegg

Anna Anderegg met en scène, danse, s’interpose dans ce modèle de silhouettes gesticulantes.

Cette ode se déroule devant nos yeux dans une langueur furtive.

Ainsi, dans un no man’s land manœuvré il y a des étoiles feutrées, elles y laissent des traces, s’imbibent, s’accordent…et se meuvent dans un cercle de fées.

Le sonneur de glas et ses musiciens persistent dans cette auréole renversée.

Opposées derrière les lucarnes, elles s’effeuillent, se délestent et muent.

Poupées égarées sorties de leurs boîtes,

féerie lunaire où les papiers ne font pas l’affaire dans un monde devenu intersidéral.

Triade impertinente nous éberluant.

C’est une avancée extraordinaire, une redécouverte du mouvement par la gravitation, et si justement une aspiration fantastique que renvoie la danseuse suisse.

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